DAN FLAVIN: EL MAGO DE LA LUZ…

Parecen banales e insustanciales sus obras, pero los colores inundan las salas donde se exhiben y no hacen falta más obras que ellas para iluminar (EN EL SENTIDO MÁS ARTÍSTICO DE LA PALABRA), con una belleza simple el espacio expositivo donde se exhiben.
Dan Flavin no gozó de mucha fama mientras vivió aunque su gran admirador Giuseppe Panza le ayudó y la fundación Panza es actualmente la mayor poseedora de obras de Flavin en Europa.


Dan Flavin, escultor estadounidense (1933-1996) es uno de los más importantes e influyentes creadores del siglo XX. No recibe una educación artística formal y será hasta 1959 cuando toma gran interés por el arte. En un principio se siente atraído por la pintura, dedicación que abandona en 1963 cuando comienza a trabajar con tubos fluorescentes; crea entonces entornos estáticos mediante la utilización de éstos combinados con luces de neón. Se trata de composiciones simples que evitan cualquier efecto complicado y que acentúan las cualidades energéticas, coloristas y vibratorias de los tubos, otorgando especial importancia a la luz diagonal. El cromatismo de su obra le permite confeccionar atmósferas de gran misticismo y que transmiten sus inquietudes religiosas. Figura clave del minimal art junto con Donald Judd, Carl Andre. Flavin utilizó materiales industriales inalterados y desnudos que ponía al servicio de los principios de la abstracción como la repetición seriada y la relación directa del objeto artístico con el espectador y con el espacio circundante, definiendo características del minimal art. El planteamiento de Dan Flavin implica un acto de reconocimiento del papel que los materiales tecnológicos cotidianos pueden desempeñar en el terreno del arte y, por consiguiente, una puesta en cuestión de todas las leyendas acumuladas sobre el creacionismo artístico. Sobre su diagonal escribió: “No dejaba mucho espacio al saber hacer artístico”. Más que un hacer, para él el arte era un pensar, y así lo manifestó explícitamente: “Me gusta más el arte como pensamiento que como trabajo. Lo he afirmado siempre. (…) Es una proclamación: el arte es pensar”.

El eje de su trabajo se sitúa en dos de los componentes fundamentales de la tradición artística: la luz y el color, eso sí, la luz y los colores de nuestro tiempo, producidos por objetos de fabricación industrial. El interés de Flavin apuntaba a restaurar un equilibrio entre la luz como imagen y la luz como objeto: “No se puede considerar la luz como un fenómeno objetivo, pero es sin embargo así como yo la contemplo”. Sus obras, inscritas en una línea que va de la tradición de la arquitectura, la pintura y la escultura, “a las acciones de luz eléctrica que definen el espacio”, pretenden actuar como “estructuras mentales simples”. Propuestas, en definitiva, que revitalizan el carácter mental y espiritual del arte en la época histórica del dominio global de la tecnología, precisamente a través de ella...

UNO DE MIS ARTISTAS PREFERIDOS; SOL LEWITT

Sol LeWitt nació en Hartford, Connecticut (EE.UU), en 1928, hijo de dos médicos judíos rusos. Estudió arte en la Universidad de Siracusa y, tras luchar en la guerra de Corea en 1951, se instaló en Nueva York, donde trabajó como ilustrador gráfico. Trabajó como dependiente de la librería del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Su puesto en la caja sirvió de punto de encuentro para una nueva generación de inadaptados, que por entonces, no tenían nombre que los uniera.
Solenoide LeWitt fue pionero del arte conceptual o Idea art que es aquel donde la idea prevalece sobre los aspectos formales de la obra, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma.
Sol Lewitt es clave en el desarrollo del arte americano surgido en contestación al expresionismo abstracto de posguerra.
Dan Flavin, Robert Ryman y Robert Mangold se convirtieron en algunos de los nuevos amigos de LeWitt. Juntos, y con la inspiración del ya consagrado Jasper Johns, los jóvenes artistas pusieron las semillas de lo que pronto habría de ser conocido como arte minimalista.
Con ellos, LeWitt empezó a interesarse por el constructivismo ruso, por los fotógrafos primitivos que habían investigado los conceptos del movimiento y el tiempo, como Eadweard Muybridge.
Más adelante, LeWitt decide empezar a definir un proyecto para su carrera artística: Hacer tabla rasa en el arte y volver a empezar (desde cero), "recrear el arte, empezando por el propio cuadrado".
La combinación de la forma geométrica del cuadrado en sus obras (miles de cuadrados convertidos en cubos y en "estructuras") tenía que ver con los experimentos de la Bauhaus, con las matemáticas, con los avances de la ciencia de la época (la lingüística, especialmente), pero también con el arte y la expresión personal de LeWitt.
Tímido y contrario al estereotipo del artista estrella, apenas concedió entrevistas a la prensa.
LeWitt se consideraba más cercano a la mística que al racionalismo.
Sol LeWitt falleció el 7 de Abril de 2007 a los 78 años, en la ciudad de Nueva York. Fue, sin duda uno de los más destacados maestros del arte conceptual, movimiento nacido a finales de los años 60… y que a mí me apasiona por la límpida belleza de sus obras.

PIEDAD SIN PIEDAD

Al verla me he desgañitado de la risa, aunque no creo que Miguel Angel hiciese lo mismo, o a lo mejor sí.

Recuerdos

Mis primeros conocimientos los adquirí en el Colegio Santo Tomás de Aquino (Jaén). Este forma parte de la antigua muralla de Jaén. Desde el patio se ve una de las torres de la maravillosa catedral y parte de la fachada renacentista.
Nunca me gustó ir al colegio, siempre me dolía la barriga y la verdad no recuerdo el porqué.
Guardo un grato recuerdo de Doña Matilde y de Doña Milagros. PERO LO QUE HOY ME HA VENIDO DEL BAÚL DE LOS RECUERDOS SON; los murales de Don Eduardo que decoraban los pasillos de mi cole. Eran copias de los curiosos cuadros de jaenero Rafael Zabaleta.
Su obra es muy curiosa, su peculiar forma de entender la pintura, la luz, el color y de mostrar los objetos familiares y los campesinos de su pueblo natal, hoy se encuentra en los museos más importantes de todo el mundo (Nueva York, Tokio, Buenos Aires, Lisboa, etc.). En España en el Museo de Arte Moderno de Cataluña, Arte Contemporáneo de Bilbao, por supuesto en el de Jaén y en el Reina Sofía.
RECOMIENDO A TODO EL MUNDO QUE SE ACERQUE A QUESADA A DESCUBRIR LA OBRA DE ESTE ARTISTA Y LA LOCALIDAD.

MUJERES ARTISTAS

LOUISE BOURGEOIS

Llevo varios días reflexionando sobre las pocas mujeres conocidas en el mundo de las artes plásticas y me indignó solo saber nombres de ARTISTAS DEL SIGLO XX.
Se estudia y conoce a Miguel Ángel, Velázquez, Picasso, etc... Y voy desde hoy a empezar un apartado de mujeres artistas para CONOCERLAS PRIMERAMENTE y darlas a conocer después...

La luz se me encendió anoche viendo la BREVE noticia de escaso un minuto que le concedieron a la artista francesa Louise Bourgeois que falleció el lunes en Nueva York a los 98 años. Se prepara en Venecia una exposición retrospectiva a la cual ella iba a asistir, ya que era y será un mito del panorama artístico mundial. Me enfadé conmigo mismo por no conocerla, ni conocer su obra y enterarme de su intensa y extensa vida artística porque había fallecido.

Louise Bourgeois participó en diferentes corrientes artísticas, bajo la influencia del surrealismo de los inmigrantes europeos en EEUU, y a partir de los años 60 se dedicó a la escultura en metal, realizando grandes instalaciones que abordaban la sexualidad, la familia y la soledad.
Sus representaciones de la maternidad, bajo la forma de grandes arañas, son las obras más características de una artista profundamente marcada por las heridas emocionales de su infancia.
"Todo lo que hago está inspirado por los comienzos de mi vida", dijo la artista con motivo de la retrospectiva que le dedicó el MoMA de Nueva York en 1982.
Hija de unos restauradores de tapices a los cuales ayudó desde que era niña vió cómo su padre abandonaba a su madre por una empleada. Durante esta época, Bourgeois también tuvo que cuidar de su madre, que había contraído la gripe española tras la Gran Guerra. Empezó estudios de matemáticas en la Sorbona pero no encajó por lo tanto cambió su orientación y estudios a las bien nombradas Bellas Artes.
Se casó en el 37 con Robert Goldwater que era historiador de arte y tuvo tres hijos marchando a América.
Pero lo maravilloso y realmente interesante para mi es que esta artista hasta hace poco ha estado creando… y segura que a donde haya ido construirá una escalera para unir este mundo con el otro.
Espero y deseo que las mujeres artistas se vayan conociendo cada vez mas. Tendremos que hablar con Bibiana y eso...

Pintura Orientalista

En el siglo XIX el expansionismo de Francia e Inglaterra avanzó por lugares recónditos... Los europeos y su gusto por lo exótico de lejanos países hizo que los salones de familias acomodadas cubriesen sus paredes con cuadros orientalistas de una manera muy muy snob.También arte y turismo florecieron en esos lugares a los que no era fácil llegar, y que fueron rápidamente objeto de visita gracias a los cuadros orientalistas. El Cairo, Jerusalén, Estambul (Constantinopla), Marruecos, Grecia, los Balcanes e incluso España fueron inspiradores para grandes pintores británicos como el prerrafaelista William Holman Hunt. Jean Auguste Dominique Ingres, director de la francesa Académie de peinture realizó una visión muy colorista de un baño turco, hizo que este Oriente erotizado se hiciera públicamente aceptable por su generalización difusa de las formas femeninas, que podrían haber sido todas ellas el mismo modelo. La sensualidad se veía aceptable en el exótico Oriente. Este estilo tuvo su momento álgido en las Exposiciones universales de París de 1855 y 1867. Esta imaginería orientalista persistió en el arte hasta principios del siglo XX, como evidencian los desnudos orientalistas de Matisse. En estas obras, el «Oriente» a menudo funciona como un espejo de la propia cultura occidental, o como una forma de expresar sus aspectos ocultos o ilícitos. En la novela de Gustave Flaubert Salammbô la antigua Cartago, en el Norte de África, se una como un opuesto a la antigua Roma. También hubo pintores español como Mariano Fortuny (1838, Reus–1874, Roma) que el orientalismo lo llevaron al lienzo con una maestría sin igual. La evolución que aporta Fortuny a la pintura española del momento se puede resumir en dos apartados: Uno técnico, al lograr un virtuosismo en el que no faltaba la pincelada chispeante, el colorido brillante y una luz deslumbrante. Elementos todos ellos que aparecen en su pintura durante su estancia en Marruecos como corresponsal gráfico en la Guerra que enfrenta a España y aquel país a partir de 1860. La necesidad de realizar apuntes rápidos otorga cierta libertad a su pincel, así como la luz y el color del lugar enriquecen enormemente su paleta. Así queda claro por ejemplo en obras como La batalla de Wad-Ras; o La batalla de Tetuán. La otra aportación podríamos considerarla temática. Porque surge entonces una reacción a la pintura grandilocuente, de gusto Neoclásico e histórico. Este será el camino realista que emprenda la pintura española del S. XIX de la mano de Fortuny, algunos lo llaman realismo delicado, se relaciona asimismo con las corrientes orientalistas, en boga en esas fechas, aunque también podría llamarse costumbrista, puesto que los temas no están exentos de un casticismo popular, a veces por cierto muy Goyesco, consecuencia a su vez del enorme impacto que ejerció este pintor sobre Fortuny.

Una artista singular; Tamara de Lempicka

Tamara de Lempicka, mujer luchadora y ambiciosa se hizo un hueco en la sociedad masculina de principios del S. XX. Polaca de nacimiento de familia acomidadada, vivió los felices veinte en París. Se casó en segundas nupcias con el barón Raoul Kuffner, y cuando comenzó la segunda guerra mundial se exilió a los Estados Unidos.


El art-decó y el retrato cubista-lempickiano, con destacadas formas geométricas, paisajes urbanos y "modernos"(para la época) son el fiel reflejo de esta singular artista, que a mí personalmente me apasiona. En aquella época la denominaron: la "diva del modernismo".

Su afán por hacerse un hueco en el mundo del arte y su valentía la llevaron a ser una de las grandes figuras de mediados de siglo, con pinturas revolucionarias para la época. Como si Tamara fuera un espectro que resurgía de los locos años veinte, de la Europa de entreguerras marcada por la depresión pero también por el cabaret y el gusto por la vida material. Vuelve a tener fama y relevancia en Estados Unidos haciendo exposiciones sin parar.



Sus retratos femeninos a diferencia de los masculinos me parecen que están cargados de misterio, donde a las mujeres las envolvía de un halo bucólico realmente enigmático y fundamentalmente muy sensual (esconden algo a mi modo de ver). Exquisita en sus trazos recupera la sensualidad y el erotismo para el arte, perdidos años atrás.



Sus obras en general son un fiel reflejo oscuro de una época atrevida y obsesiva, ansiosa y degradada. También es digna de mención la actitud de los personajes; es una actitud elitista ante el mundo. Miradas perdidas como si no quisieran dignarse a mirar al espectador. Fríos y distantes, aunque se dejen ver; les gusta saberse admirados. Apenas hay gentes del pueblo llano en los cuadros de Tamara... reflejan la mirada burguesa de la artista. Ella tuvo años de estrecheces y bohemia, pero eran años de juventud, lejanos recuerdos ya ... donde todo era posible. En definitiva sus cuadros son copias fidedignas de la vida de la artista y la de los personajes retratados. Rodeada de un mundo donde los problemas atenazaban siempre a otros y estaban lejos para que les afecten.


Las pasiones dominaban los sentidos y la vida de Tamara. La Duquesa de la Salle (foto)la retrata varias veces pero en este en especial, proclama de manera oculta, su bisexualidad y atracción por las mujeres. Aunque con su marido vivió feliz según parece hasta que este muere en 1962.




Dijo Tamara: "NO PUEDO SER LA MUJER DE TU VIDA PORQUE SOY LA MUJER DE LA MÍA".





¡Espero que os guste!. ¡Gracias por leerme!

La importancia de la silla

La silla no solo es algo útil en la cual reposamos nuestras "santas posaderas", además da una interesante carga de arte a nuestro cotidiano ambiente sín darnos cuenta porque todo el mundo a no ser que seas un habitante de la selva y vivas en una sencilla choza tienes al menos una silla en casa o lugar en el que te encuentres.

La silla se usaba ya en el 600 A.C. En el antiguo Egipto la silla era un objeto importante en las vidas de poderosos gobernantes que poseían riqueza y esplendor porque marcaba la diferencia por su costoso valor. Realizadas con materiales costosos como ébano, marfil incluso realizadas con soportes extravagantes como patas de animales mayormente de león.

Me paso al S. XVIII pues me parece muy interesante el momento en el que surge con fuerza el estilo inglés y las sillas caen rendidas a la caoba, elegida la madera por excelencia debido a su suntuosidad, belleza y ductilidad. La silla King George es una de las que triunfa, con recargados detalles de cabezas de león, motivos vegetales y conchas marinas. Entre 1730 y 1765 triunfa el estilo rococó, con asientos tapizados, formas amplias y curvilíneas, colores claros y apliques de oro como sus principales características. Como contraposición, entre 1765 y 1790 predominan las sillas de inspiración neoclásica, con líneas rectas, figuras geométricas y menor carga ornamental.

En el S. XIX, sobretodo a partir de 1836, triunfa la denominada silla Thonet, para mí la silla por excelencia de cualquier café con estilo. La novedad de este mobiliario estaba en el tratamiento de los materiales. Es Michael Thonet, su inventor y desarrolló un nuevo sistema de plegado de la madera utilizando el vapor como herramienta hace que no haya piezas complejas que se unen por obligación dotando a la“digna” silla de mayor ergonomía y simplicidad de formas. Siendo además la primera silla que se produce en serie de la historia. Por cierto esta empresa a sido vendida a unos italianos por 24 millones de eurillos ja, ja, ja. Ruego que desde ahora en adelante mires a la silla como algo importante que te aguanta sin quejarse jamás.

¡SI LAS VACAS HABLARAN!

Sé que el arte no hay que entenderlo, hay que sentirlo, vivirlo pero sobre todo emocionarse con el y disfrutarlo porque para conocerlo hay que estudiarlo esencialmente.

Las vacas de Damien Hirst personalmente me inquietan y me desagradan y no las he visto personalmente pero creo que no me hace falta para tener un criterio al respecto. Si eso es arte es un "arte aparte"........¡anda que si las vacas hablaran!......creo que no estarían muy contentas por estar exhibidas en formol partidas en dos y enseñando todo sin haber dado permiso.......ja, ja, ja, ja ¡que fuerte!, ¡están locos!.

Y la gran pregunta; ¿quién será el que se ha dejado engañar?, ¿será un ruso de dudosa fortuna o alguien al cual le han dicho que en tiempos de crisis hay que invertir en arte?, porque han pagado la destemplada cifra de 13 millones de eurillos solamente por las vaquitas de las discordia. Otra opción es que algún entendido bien pensante haya aconsejado al milloneti de turno a comprar "las grandes obras del gran artista Hirst".

Esto es como la "cupulilla" de Barceló que en vez de un lugar "SERIO" de los señores de la ONU parece Disneylandia o un escenario de película de extraterrestres.

Lo peor y más criticable a mi modo de ver es el porrón de millones de los españoles que se han gastado (20 millones de euros) y que podría ser el presupuesto de algún país pequeño. Hubiesen podido comprar con eso muchas obras Picassianas para incluirlas en la exposición permanente del museo Picasso de Málaga pues da risa ver la colección permanente porque sus fondos son escasos y de poco valor, mejor dicho no es de lo mejor del genial artista.

¿Arte?, ¿engaño?, ¿locura?, se diría que el mundo del arte está cada día más ensimismado, es más irreal y más perverso en los tiempos que estamos y con la que está cayendo.

"Diosa Bast"

Ayer mi estimado amigo José María me contó una anécdota realmente emocionante con un gatito blanco que le puso de nombre "Lino". Esa conexión entre este mundo y el otro, lo mágico y lo divino que siempre a ese felino ha rodeado es realmente mágico y sobre todo misterioso.

La historia ha escrito ríos de tinta sobre este tema, hasta películas (Catwoman) se han echo sobre ello.

BAST diosa gato, venerada especialmente en el Delta del Nilo, también conocida como Ousbastis y Bastet, fue representada como una mujer, con cabeza felina.
Su ciudad, Busbastis, que significa "mansión de la Diosa Bast", llegó a ser capital de Egipto en su momento de mayor esplendor, siendo el edificio más importante de la ciudad, el templo dedicado a la diosa.
El culto al Gato, aparece en el Antiguo Egipto alrededor del año 2900 A.C., y según la mitología la diosa gata Bastet, defendió al Dios - Sol Ra contra los ataques de la serpiente Apofis, una de las deidades del mal hija y esposa del propio Ra.
Fue diosa de la guerra, de la fertilidad, de la alegría, de la maternidad, la fecundidad y otras virtudes femeninas, además de guardiana del hogar y feroz defensora de los hijos.
El simbolismo de BAST y su culto, fueron complejos, por un lado representaba la energía del sol etérea, cálida y vivificante, siendo esta su parte evidentemente femenina; de otro lado, la conexión con el culto a la luna, proveniente de la parte misteriosa y amante de la noche, propia de los gatos.
El Gato Sagrado de Bast, es asociado con la Diosa Bast, representada con figura humana y cabeza de gato.
La natural gracia y quizás las cualidades maternales del gato, sugirieron a los egipcios algunos aspectos de la Diosa.

Dedicado a María la cual estará en nuestro recuerdo siempre rodeada de sus gatas.

Criselefantina.........¡Arte, arte ,arte!

La palabra criselefantina procede del griego chysos-oro y elephas-marfil, designa una técnica utilizada frecuentemente en la Grecia antigua. El rey Fidias combinó el oro y el marfil para algunas de las esculturas del Partenón en el Siglo V A.C. En el siglo X.I.X.el uso del marfil se limitaba a objetos pequeños por falta de materia prima pero la anexión del Congo por el Reino de Bélgica y la explotación masiva de los recursos de la nueva colonia cambió radicalmente la situación. E. Van Estvelde, secretario de Estado belga en el Congo, incentiva el consumo de marfil entre los artistas vendiéndoselo a precio muy bajo o incluso regalándoselo.
-La realización del cuerpo de estas esculturas está tallado en marfil, que resulta un material barato y fácil de adquirir en los años 20.-Aunque la palabra griega chrysos indica oro la ejecución de los trajes se realizaba en bronce por la diferencia de precio y el resultado tan lucido que proporcionaba a las figuras. Es frecuente la utilización de moldes para realizar varias figuras. Se añaden piedras preciosas, carey, laca, oro, plata, etc. para adornar los trajes, tocados, etc.-Las peanas suelen ser de mármol de color, ónice brasileño verde, a veces combinado con ónices de otros colores, pizarra de color negro o granito. De la maestría y elegancia de la peana puede variar el precio. Aconsejo a toda persona sensible al arte y con gusto que como regalo esta navidad regale una de estas bellas esculturas.

"La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte"

Man Ray y su placer por el arte.
Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica y.................. ha marcado historia. Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo que es lo que realmente me apasiona.....................